Zwei große Einflüsse prägen das Design der kommenden Jahre: die Ästhetik der KI und der Digitalisierung und als Gegenbewegung der „Human Touch“. Viele dieser Einflüsse sind schon heute sichtbar, die Grenze zu 2027 ist fließend.
Von Sarah Uhlmann
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Trend 1: KI-Ästhetik
KI-Ästhetik ist der typische Look generierter Bilder: hyperglatt, makellos, weich ausgeleuchtet und leicht unwirklich, oft verraten durch Fehler wie verformte Hände. Für Marken heißt das: Wer solche Bilder unbearbeitet einsetzt, wirkt schnell austauschbar.
Surrealismus
Neben dieser bekannten Ästhetik zeigt sich der Trend des KI-Surrealismus: bewusst unnatürliche Bildwelten, die offen mit KI-Bildgeneratoren erstellt werden. Sie sind oft humorvoll und erregen Aufmerksamkeit.
KI im Design
KI verändert Design nicht nur visuell. Wir gehen davon aus, dass Bedienoberflächen wie Menüs und Schaltflächen an Bedeutung verlieren, weil KI-Assistenten Aufgaben selbstständig erledigen. Statt sich durch die Menüs einer Reise-App zu klicken, sagt man der KI „Buch mir den günstigsten Flug nach Wien“. Gestaltet wird dann vor allem dieses Ergebnis, nicht mehr der Weg dorthin. Auch die Nutzergruppen verändern sich: Ein Teil der Nutzer sind künftig KI-Assistenten, die Websites im Auftrag von Menschen lesen – wir gestalten also auch für sie.
Als Antwort auf die austauschbare, makellose KI-Ästhetik bringen neue Trends Materialität und Imperfektion zurück ins Design – und Authentizität in die Markenführung.
Trend 2: Human Touch
Zurück zum Menschen: Gestaltung im „handgemachten“ Look steht im bewussten Gegensatz zur glatten KI-Ästhetik.
Imperfektion
Handgemachtes, Unikate und Imperfektion werden wieder mehr wertgeschätzt: Sichtbare Handarbeit, rohe Kanten und Oberflächen gelten als Qualitätsmerkmal, Perfektion wirkt unglaubwürdig, weil KI makellose Bilder heute in Sekunden liefert. Relevant wird der Nachweis des menschlichen Prozesses im Design, zum Beispiel durch Skizzen oder Making-of-Videos. Selbstgemachtes (DIY) und analoge Medien sind ein Gegenentwurf zu KI und schnelllebiger Technologie.
Der „Handmade“-Look entsteht zum Beispiel durch:
- Elemente, die man fühlen kann, etwa geprägtes Papier
- Körnung, Scanner- und Kopierer-Optik
- unperfekte, handgezeichnete Illustrationen
- Notizen und Skizzen (Scribbles)
- Drucktechniken wie Risographie (ein Schablonendruck mit körnigem Farbbild), Siebdruck, Stempel oder Linoldruck
- Collagen und Scrapbooking (aufgeklebte Fundstücke)
Wie sich dieser Look in ein Logo übersetzen lässt, zeigt der Entwurf von Louis Garella (Studio Garella, Paris) für das DJ-Duo Sonata Electronica. Die Bildmarke wirkt wie ein zerlaufener Tintenklecks: Ihre Ränder fransen aus, waagerechte Streifen ziehen sich hindurch, als wäre die Vorlage beim Scannen verrutscht. Darunter steht der Name in einer schmalen Schrift mit feinen Endstrichen (Serifen). Das Logo liegt auf einer körnigen, cyanfarben eingefärbten Aufnahme eines analogen Mischpults.
Die Kopierer-Optik ist dabei kein Filter: Laut It’s Nice That entstanden die Logo-Scans auf einem Kopierer, dem der Toner ausging, sodass die Form von Scan zu Scan zu tanzen scheint. Statt glatter, am Computer gezeichneter Kanten bestimmen Zufall, Körnung und ein sichtbarer analoger Prozess den Auftritt. Offen bleibt bei solchen Entwürfen, ob die Form auch klein, einfarbig oder auf dem Bildschirm noch trägt – eine Grenze des Trends, die bei jedem Logo geprüft werden muss.
Auch das visuelle Erscheinungsbild, das das Studio Kevin Hoegger Visual Services für die Zürcher Bäckerei WIM entwickelt hat, verbindet Ordnung und Handgemachtes – ein fremdes Projekt, an dem wir nicht beteiligt waren. Die Bildmarke ist laut Projektbeschreibung ein eigens gezeichnetes Croissant: Eine einzige, wulstige Linie schlängelt sich unregelmäßig hin und her und wirkt eher von Hand gezogen als geometrisch konstruiert. Das feine Kachelraster im Hintergrund greift auf, was das Studio als Quelle nennt: Die erhaltenen gefliesten Flächen im Innenraum der Bäckerei bestimmten Farben, Muster und grafische Formen. In der Bildsprache sind die Fotos der Backwaren in grobes schwarzes Korn aufgelöst, das wie verstreutes Mehl wirkt; der gelbgrüne Schriftzug liegt darüber, die Körnung scheint durch.
Die Imperfektion ist hier bewusst dosiert: Sie steht neben einem klaren Raster und einer sachlichen Schrift, statt das ganze Erscheinungsbild zu bestimmen. Handwerk und Ort werden so zur Quelle der Gestaltung, nicht ein beliebiger „Handmade“-Filter.
Materialität
Zusätzlich gewinnen Tiefe, Textur und das Fühlbare an Bedeutung. Physische Erlebnisse und Material bilden ein Gegengewicht zum Digitalen. Digitales Design wird geprägt von Oberflächen, die man anfassen möchte: glasig, wachsig, flauschig. Marken sprechen dabei mehrere Sinne an, etwa über Material, Klang oder Duft.
Flaches Design wird abgelöst von Tiefe durch Transparenz, Verläufe und Schatten. Wie das konkret aussieht, zeigen die App-Icons, die Google im Mai 2026 für Workspace neu gestaltet hat. Gmail, Kalender, Meet oder Drive bestehen nicht mehr aus flachen, klar getrennten Farbflächen, sondern aus weichen Verläufen; Lichtkanten und sich überlagernde, leicht transparente Flächen lassen die Symbole plastisch wirken, beim Drive-Dreieck scheinen die Farben ineinanderzulaufen. Google verspricht in seiner Ankündigung zweierlei: jeder App eine eigenständigere Identität zu geben und zugleich die Produktfamilie einheitlicher wirken zu lassen. Im Bild sieht man, wie beides zusammengeht: Die Behandlung mit Verlauf und Glanz verbindet alle Icons, unterscheidbar bleiben sie vor allem über ihre Form. Darin liegt auch eine Grenze des Trends. Verläufe und durchscheinende Flächen schwächen tendenziell den Unterschied zwischen Form und Hintergrund; ob Symbole klein, auf dunklem Grund oder für Menschen mit eingeschränktem Sehvermögen noch auseinanderzuhalten sind, muss bei jedem Einsatz geprüft werden.
Noch weiter geht Apple mit Liquid Glass, dem Material, das seit iOS 26 die Bedienoberflächen prägt. Im Kontrollzentrum und in der Wiedergabesteuerung schweben Schalter, Regler und Player als abgerundete, durchscheinende Flächen über dem Hintergrund; was darunter liegt, bleibt verschwommen sichtbar, und die Ränder fangen das Licht ein wie echtes Glas. Laut Apple brechen die Flächen den Inhalt dahinter und spiegeln ihre Umgebung; beim Scrollen schrumpft die Tab-Leiste, um dem Inhalt Platz zu machen. Physikalische Eigenschaften werden so zum Gestaltungsprinzip. Der Preis ist die Lesbarkeit: Wo Schrift auf wechselnden, durchscheinenden Hintergründen steht, schwankt der Kontrast, also der Unterschied zwischen Schrift und Hintergrund. Apple hat mit iOS 26.1 eine Einstellung nachgereicht, die das Glas deckender und kontrastreicher macht (TidBITS). Für Marken heißt das: Glas- und Tiefeneffekte wirken hochwertig, Barrierefreiheit – also gute Lesbarkeit auch für Menschen, die schlecht sehen – muss aber von Anfang an mitgedacht werden.
Authentizität
Wenn sich Bilder beliebig herstellen lassen, wird Echtheit selbst zum Gestaltungsmerkmal. Das zeigt sich vor allem in der Bildsprache: echte Menschen statt KI-generierter oder perfekt inszenierter Models, sichtbare Spuren statt glatter Retusche, Einblicke in Werkstatt und Team statt austauschbarer Stockfotos. Dove arbeitet seit 2004 in der Kampagne „Real Beauty“ mit Frauen unterschiedlichen Alters und unterschiedlicher Körperform statt mit klassischen Models. 2024 hat die Marke zugesagt, in ihrer Werbung keine KI-generierten Bilder anstelle echter Frauen einzusetzen. So wird eine Gestaltungsregel zur Markenaussage: Was man sieht, ist echt. Glaubwürdig ist das, weil Dove diese Linie seit zwanzig Jahren verfolgt und sie nicht erst mit dem Trend entdeckt hat.
Fazit
KI macht Perfektion einfach zugänglich. Je glatter und generischer Gestaltung wird, desto wertvoller werden Charakter, Imperfektion und Haltung. Relevant werden ein bewusster Umgang mit KI als Werkzeug und der Nachweis des menschlichen Prozesses.
